Música Ibérica vereint vier außergewöhnliche Musikerpersönlichkeiten, die aus unterschiedlichen musikalischen Traditionen stammen und ihre Erfahrungen in einem einzigartigen Klangkörper zusammenführen. Im Zentrum des Ensembles steht der spanische Gitarrist, Komponist und Arrangeur Rafael Catalá, der mit seinen Bearbeitungen und Kompositionen eine musikalische Brücke zwischen der iberischen Barockmusik, mediterranen Klangwelten und improvisatorischen Traditionen schlägt.

An seiner Seite stehen drei international gefragte Spezialisten ihrer Instrumente: der italienische Nyckelharpa-Virtuose Marco Ambrosini, einer der prägenden Musiker der europäischen Alte-Musik-Szene; der slowakische Violone-Spieler Jan Krigovský, der mit Ensembles wie Ars Antiqua Austria, Capella Gabetta oder La Cetra Basel auf bedeutenden Bühnen und Festivals der historischen Aufführungspraxis zu hören ist; sowie der international renommierte Perkussionist Murat Coşkun, der als Vermittler zwischen den musikalischen Welten des Orients und des Okzidents gilt.

Die besondere Faszination von Música Ibérica liegt in der außergewöhnlichen Instrumentenkombination: Flamenco- und klassische Gitarre begegnen der geheimnisvollen Klangfarbe der Nyckelharpa, der warmen Tiefe der historischen Violone und einer farbenreichen Palette orientalischer Rahmentrommeln und Perkussionsinstrumente, die gelegentlich durch Obertongesang ergänzt werden. Aus dieser seltenen Besetzung entsteht ein Klangbild, das gleichermaßen archaisch und überraschend modern wirkt.

Die Musiker lassen musikalische Welten miteinander verschmelzen: barocke Tanzformen, iberische Folklore, mediterrane Klangfarben und orientalische Rhythmen treten in einen lebendigen Dialog. Historische Werke werden dabei nicht museal präsentiert, sondern als Ausgangspunkt für kreative Arrangements, improvisatorische Freiräume und neue Perspektiven auf die Musik des Mittelmeerraums.

So entsteht eine Klangreise entlang der kulturellen Küsten des Mare Nostrum – zwischen Spanien, Italien, dem Balkan und dem Orient – in der Vergangenheit und Gegenwart, Tradition und spontane musikalische Energie miteinander verschmelzen.

Besetzung

Rafael Catalá – Gitarre, Arrangements
Marco Ambrosini – Nyckelharpa
Jan Krigovský – Violone
Murat Coşkun – Orientalische Perkussion, Obertongesang

www.rafael-catala.com

„In einer Zeit, da junge Streichquartette in großer Zahl aus dem Boden sprießen, nimmt das Malion Quartett eine Sonderstellung ein.“

Mit diesen Worten beschrieb der legendäre Pianist Alfred Brendel das 2018 in Frankfurt am Main gegründete Malion Quartett, das heute zu den vielseitigsten Formationen der internationalen Musikszene zählt. Innerhalb kürzester Zeit erspielte sich das Ensemble Preise und Auszeichnungen bei renommierten Wettbewerben und verfolgt seither neben einer internationalen Konzerttätigkeit auch eine besondere Vision der Musikvermittlung.

Das junge, international besetzte Ensemble gastierte in bedeutenden Konzerthäusern wie der Alten Oper Frankfurt, der Kölner Philharmonie, der Wigmore Hall London, der Izumi Hall Osaka und der Cité de la musique in Paris und wurde zu etablierten Musikfestivals eingeladen, darunter dem Rheingau Musikfestival, den Festspielen Mecklenburg-Vorpommern, dem Beethovenfest Bonn, dem Heidelberger Frühling, den Sommerlichen Musiktagen Hitzacker, Festival Internacional de Música de Marvão sowie Podium Esslingen. Es war zu Gast bei den Streichquartett-Biennalen in Paris und München und wurde 2023 zum „Quartett in Residence“ am Holzhausenschlösschen Frankfurt ernannt.

Zu den besonderen Begegnungen des Quartetts zählen die langjährige Zusammenarbeit mit dem Komponisten Jörg Widmann sowie gemeinsame Auftritte mit Künstlern wie Kit Armstrong, Martin Stadtfeld, Juliane Banse, Christina Daletska, Hariolf Schlichtig, Kaan Bulak und dem Vogler Quartett.

Das Malion Quartett initiierte eine Vielzahl eigener Projekte mit dem Anliegen, klassische Musik durch innovative Konzertformate, ungewöhnliche Konzertorte und digitale Medien einem breiten Publikum zugänglich zu machen. Dazu gehört das besondere Konzept der ON/OFFstage-Konzerte, aus dem das Malion Musikfestival und die Konzertreihe „Was hat Beethoven mit mir zu tun?“ hervorgingen. Die Filmproduktion „Große Fuge“ brachte dem Quartett eine Nominierung für den Opus Klassik ein. Zudem veröffentlichte das Ensemble drei vielbeachtete CD-Aufnahmen bei den Labels KALEIDOS und Solaire Records.

Alex Jussow – Violine
Miki Nagahara – Violine
Lilya Tymchyshyn – Viola
Bettina Kessler – Violoncello

P r e i s e

Deutscher Musikwettbewerb 2022 (Sonderpreis, Konzertvermittlung)
Internationaler Streichquartettwettbewerb der Steels-Wilsing-Foundation 2023 (3. Preis)
Osaka International Chamber Music Competition 2023 (Special Prize Winners: Ambassadors for the Osaka Chamber Music Competition Prize)
Internationaler Joseph Joachim Kammermusikwettbewerb 2025 Weimar (2. Preis)
9th Manhattan International Music Competition (Classical Music Prize)

I n t e r n a t i o n a l e  B ü h n e n  u n d  F e s t i v a l s

Alte Oper Frankfurt, Kölner Philharmonie, Meistersingerhalle Nürnberg, Wigmore Hall London, Izumi Hall Osaka, Cité de la musique Paris, Beethovenfest Bonn, Festspiele
Mecklenburg-Vorpommern, Heidelberger Frühling, Rheingau Musikfestival, Podium Festival Esslingen, Trame Sonore Mantova, Festival Internacional de Música de Marvão,
Streichquartett-Biennale München, Streichquartett-Biennale Paris, Streichquartett-Biennale Amsterdam, „Quartet in Residence” im Holzhausenschlösschen Frankfurt 2023

E i g e n e  P r o j e k t e , C D s  u n d  R u n d f u n k p r o d u k t i o n e n

Malion Musikfestival (2022, 2024, 2026)
ON/OFFstage – ein innovatives Konzertformat
Filmproduktion “ON/OFFstage: Debussy”
Filmproduktion “Große Fuge”
(Nominierung Opus Klassik 2022)
Debüt-CD “Beethoven – Widmann – Brahms” (Kaleidos)
CD “Departure” (Solaire Records)
CD “The Juliet Letters” (Kaleidos)
Interdisziplinäre Projekte mit Tanz, Theater,
Literatur, elektronischer Musik, Video, Licht
Rundfunkproduktionen für den SWR,
WDR, BR, HR und Deutschlandradio
Gastauftritt in der Sendung „Einstand“ (Deutschlandradio Kultur)

www.malionquartett.com

Seit zehn Jahre sind der französische Trompeter Romain Leleu und das Ensemble Convergences weltweit auf Festivals und anderen renommierten Veranstaltungen unterwegs. Zehn Jahre, in denen Trompete und Streichquintett ihre Klänge miteinander verschmelzen und mit einem exklusiven Repertoire zwischen klassischer und populärer Musik eine neue Synthese schaffen. An seinem zehnten Jahrestag und nach über 500 Auftritten wird aus dem Ensemble Convergences das Romain Leleu Sextett – eine in der Musiklandschaft einzigartige Gruppe, die eine Trompete mit einem Streichquintett kombiniert und aus experimentierfreudigen und kühnen Kammermusikern besteht, die alle aus großen französischen Orchestern stammen. Spontan und je nach künstlerischer Sensibilität und Lust bieten die Musiker ein originelles Repertoire an Transkriptionen, von Barockmusik über Filmmusik bis hin zu zeitgenössischen Werken. Auf diese Weise erneuern sie die klassische Konzertformel, ohne stilistische oder zeitliche Barrieren, und hauchen dem Spektrum der Trompete und ihren Variationen neues Leben ein, indem sie die Möglichkeiten des Instruments erweitern: die Geschmeidigkeit, die Flexibilität und die Strahlkraft des Timbres. Die Gruppe ist bestrebt, alle Publikumsgruppen anzusprechen und ihnen ein Repertoire verschiedenster Einflüssen zu bieten, das durch die brandneuen Arrangements von Manuel Doutrelant geprägt ist.

Das Sextett ist regelmäßiger Gast bei den größten Festivals wie dem internationalen Festival von Colmar, dem „Folle Journée“ in Nantes, den Festivals von Auvers sur Oise, Saint-Denis, Périgord Noir, Sully, Chambord und den „Flâneries Musicales“ in Reims oder anderen berühmten Pariser Veranstaltungsorten wie den Folies Bergère oder dem Gaveau-Saal. Das Romain Leleu Sextett ist jedoch nicht nur in frankreich aktiv, soondern weltweit. Tourneen führten es nach Belgien, Schweiz, Großbritannien, Algerien, Italien, Marokko, Bulgarien, Russland, Libanon, Türkei, Mexiko. Dabei macht sich das Ensemble regelmäßig auf die Suche nach neuen Zuhörern, wobei es auch pädagogische Aktivitäten zugunsten eines Publikums durchführt, das vielleicht weniger Zugang zur Musik hat, um Bewusstsein für die Universalität der Musik zu schaffen. Das erste Album „Sur la Route (On the Road )“ wurde 2013 bei Aparté/Harmonia Mundi veröffentlicht und erhielt sowohl von Kritikern als auch vom Publikum begeisterte Kritiken. Es ist eines der meistverkauften aktuellen Klassik-Alben.
Das zweite Album „Inspirations“, das im August 2016 bei Aparté/Harmonia Mundi erschien, war ebenfalls bei Presse und Publikum erfolgreich. Dieses Programm wurde seit seiner Premiere mehr als hundert Mal aufgeführt, nachdem das innovative Album 2016 in Paris in der Alhambra präsentiert wurde. In der Saison 2018/19 war das Ensemble auf Tournee in Russland („Folle Journée“ in Jekaterinburg), Großbritannien (London), Libanon (Baabdath Festival), Italien, Bulgarien, gab eine ausgedehnte Reihe von Konzerten und spielte auf zahlreichen Festivals in Frankreich. 2020 ist ein Jahr voller neuer Projekte und der Beginn des zehnjährigen Bestehens der Gruppe. Das Romain Leleu Sextett wird von Spedidam und Bureau Export unterstützt und wird mit seinem neuen Album „Face to Face“ durch Frankreich und die Welt touren.

Romain Leleu – Trompete und künstlerische Leitung
Guillaume Antonini und Manuel Doutrelant – Geigen
Alphonse Dervieux – Bratsche
Caroline Boita – Cello
Philippe Blard – Kontrabass

« FANTASTISCHE NACHT »

W. A. Mozart  Aria der Königin der Nacht – Der Hölle Rache – Die Zauberflöte
Franz Schubert Nacht und Traüme
Nikolaï Rimsky-Korsakov Sheherazade
Anton Dvorak Nocturne pour cordes op. 40
Camille Saint-Saëns Totentanz
Cole Porter Night and Day – Musical. Gay Divorce
Bernard Herrmann Psycho – Suite für Streicher – Extrakte
Philippe Sarde La Chanson d’Hélène – Les Choses de la Vie
Henry Mancini Moon River – Breakfast at Tiffany’s
Leonard Bernstein Tonight – Balkonszene – West Side Story
Thelonious Monk Round Midnight
Dizzy Gillespie Night in Tunisia

« BACH CONTEMPLATION »

Johann -Sebastian Bach

Präludium und Fuge BWV 557, G-Dur
Sinfonia der Kantate BWV 156 – « Ich steh mit einem Fuss im Grabe »
Kantate BWV 75 ”Die Elenden sollen essen” Choral
Aria aus der 3. Suite BWV 1068
Konzert BWV 972 nach Vivaldi für Trompete und Streicher
I – Allegro – II – Adagio – III – Presto
Fugue G-Dur BWV 541 – Transkription für Streicher
Sonatina der Kantate « Actus Tragicus » BWV 106
Aria der Kantate BWV 208 « Schafe konnen sicher weiden »
Fuge alla gigue BWV 577 – Transkription für Streicher
Erbarme Dich – Matthäus Passion BWV 244
Choral «Jesus bleibet meine Freude» Kantate BWV 147

« LE BŒUF SUR LE TOIT »

Ein wahrer nächtlicher Ausflug in das Paris der 20er Jahre, genauer gesagt ins «Bœuf sur le Toit», einem berühmten Kabarett, das von Jean Cocteau, einer zentralen und farbenfrohen Persönlichkeit des damaligen Kunstlebens, ausgiebig besucht wird.

Darius Milhaud Scaramouche – Brazileira
Erik Satie Je te veux
Darius Milhaud Le Boeuf sur le Toit
Maurice Ravel Ma Mère l’Oye – Pavane et Entretiens de la Belle et de la Bête
Cole Porter Night and Day
Reynaldo Hahn A Chloris
Germaine Tailleferre Finale des Streichquartetts
Francis Poulenc Les Chemins de l’Amour
Edith Piaf Hymne à l’Amour
Erik Satie Gymnopédie Nr 3
George Gershwin An American in Paris

Es begann als Experiment und endete im Triumph vor 2000 begeisterten Zuhörern bei den ersten Konzerten im April 2008. Das Ensemble Bolero Berlin, bestehend aus Solisten der Berliner Philharmoniker und international herausragenden Jazzmusikern, hat sich einer tief sitzenden Leidenschaft verschrieben – der südamerikanischen Musik. Und diese Leidenschaft spürt und hört man bei jedem ihrer Konzerte.

Die vier Solisten der Berliner Philharmoniker Martin Stegner (Viola), Manfred Preis (Klarinetten, Saxofon), Esko Laine (Kontrabass) und Raphael Haeger (Piano, im Hauptberuf Schlagzeuger) sowie die beiden „freien“ Paolo Morello (Gitarre) und Daniel „Topo“ Gioia (Percussion) intonieren südamerikanische Musik in einer ungewöhnlichen kammermusikalischen Instrumentierung. Ob mexikanischer und kubanischer Bolero, argentinischer Tango, Danzon oder brasilianischer Bossa Nova – „Mit großer Leidenschaft und fantastischer Technik spielt das Ensemble Stücke, die entweder lateinamerikanischen Ursprungs sind oder in blitzenden Arrangements dazu umfunktioniert werden“ (Amberger Zeitung).

Sie spielen die Musik ihres Herzens konzertant, elegant und ausdrucksstark, ohne dabei auf die typischen Elemente des Jazz und der Improvisation zu verzichten. So entsteht ein Feuerwerk aus Farben und Rhythmen von Philharmonikern, die mit kraftvollem Enthusiasmus und erstaunlicher Zartheit Tango und Bossa Nova erklingen lassen. Diese Kombination von klassisch geschulter Spielkunst und künstlerischer Hingabe beim Improvisieren machen den Reiz des Ensembles aus. Schlussendlich sind Konzerte mit Bolero Berlin vor allem der hörbare Beweis, dass auch Töne jederzeit in der Lage sind, zu zaubern und zu verzaubern.

Panamericana. Von New York nach Buenos Aires Aus seiner Heimatstadt Buenos Aires wegen der schlechten Wirtschaftslage in Argentinien emigriert, ging Piazzolla in New York seinem musikalischen Schaffen nach und folgte dem Einfluss des Jazz und der Musik Johann Sebastian Bachs. Nachdem die Familie nach Argentinien zurückgekehrt war, wurde der Tango ein musikalisches Schlüsselerlebnis für ihn. Diese Reise wird von Bolero Berlin auf musikalisch – experimentelle Weise nachvollzogen.

Opera! Oper, südamerikanische Tanzrhythmen und Jazz mögen manchmal wie Paralleluniversen im Weltraum der Musik erscheinen, deren Zusammentreffen allenfalls in der ewig unerreichbaren Unendlichkeit denkbar ist. Das Ensemble Bolero Berlin beweist mit seinem Programm „Opera!“ das Gegenteil…

Südamerika Spielerisch. Tanzend. Lebendig. In den ungewöhnlich klangfarbigen, auf spielerische Eigenarten der Instrumentalisten abgestimmten Arrangements klingt das Ensemble, als hätte Fernweh es aus dem Sessel getrieben: Eine Reise durch Südamerika mit Tango, fesselnden 7/8 Rhythmen, Improvisationspartien, perkussiven Klängen, die zum Tanz anregen und Lebensfreude, die spielerisch mit der Melancholie des mexikanischen Boleros verschmilzt.

Paris Das Programm widmet sich Piazzollas „Pariser Zeit“ mit Werken von Piazzolla selbst sowie von Duke Ellington, Mario Bauza, Maurice Ravel und G. Bizet.

„Wenn Sopran-, Alt-, Tenor- und Baritonsaxophon zu einem glühenden Klangball verschmelzen, ist es so, als würden die Musiker abheben […] und in einen anderen Kosmos aufbrechen.“ (20.2.2018, NRZ Düsseldorf, Michael-Georg Müller)

Das Alliage Quintett gehört zur europäischen Elite der Bläserkammermusik und hat mit seiner instrumentalen Zusammenstellung ein Alleinstellungsmerkmal zu bieten: aus vier Saxophonen und einem Klavier gleichsam zu einem neuen organischen Ganzen verschmolzen („alliage“) lässt das mit zwei ECHO-Klassik-Preisen ausgezeichnete Ensemble klanglich die Illusion eines großen Orchesters Wirklichkeit werden. Melodik und Expressivität der Saxophone treffen hier auf die orchestrale Fülle eines Klaviers und erzeugen somit ein neues Hörerlebnis, das sich von anderen Saxophon-Ensembles grundlegend unterscheidet. Gründer ist der Kanadier Daniel Gauthier, Primarius am Sopransaxophon. Er unterrichtet seit 2003 als Professor an der Hochschule für Musik in Köln.

Im Mittelpunkt des Repertoires stehen Meisterwerke aller Epochen in kompositorisch fein ausgeloteten und raffinierten Arrangements für Saxophonquartett und Klavier. Alle Bearbeitungen werden vom Ensemble in Auftrag gegeben, entstehen in enger Zusammenarbeit mit dem jeweiligen Tonsetzer und unterliegen höchsten Qualitätsansprüchen.
Das Alliage Quintett gastiert regelmäßig in Europa, Asien und Nordamerika sowie bei renommierten deutschen und internationalen Festivals und zeichnet sich darüber hinaus durch eine Reihe hochkarätiger Kooperationen mit Stars der Klassikwelt aus. Die engste Verbindung besteht mit der Klarinettistin Sabine Meyer, mit der Alliage seit 2015 gemeinsam auf der Bühne stehen und inzwischen über 70 Konzerte gegeben haben.

Neben Sabine Meyer sind Tenor Daniel Behle (Programm „Behlcanto“, CD-Produktion geplant für 2024 mit Werken von Rossini, Donizetti, Verdi und Puccini) und Cellist Alban Gerhardt aktuelle musikalische Partner des Alliage Quintetts. Mit Alban Gerhard wird das Alliage Quintett in diesem Jahr beim Beethovenfest Bonn zu erleben sein. Frühere Kooperationen gab es aber auch mit Star-Sopranistin Simone Kermes und dem Geiger Joszef Lendvay. Darüber hinaus ist das Alliage Quintett auf Konzert-Lese-Format spezialisiert und bietet verschiedene Programme u.a. mit Schauspieler an.

Die Musiker haben inzwischen insgesamt sieben CDs mit speziell für sie arrangierten Werken veröffentlicht. 2008 erschien bei Sony Classical unter dem Titel „Masquerade“ eine Rekomposition der „Vier Jahreszeiten“ von Jun Nagao/ Antonio Vivaldi und Arrangements von Johann Sebastian Bach. Schon 2005 erhielt das ensemble für seine CD „Una Voce Poco Fa“ den ersten ECHO Klassik, ebenso wie 2014 die CD „Dancing Paris“. 2016 folgte „Fantasia“, in Zusammenarbeit mit Sabine Meyer, 2018 „Lost in Temptation“ mit Werken von Bernstein, Respighi, Saint-Saëns und Weill. Die nächste CD-Veröffentlichung erfolgt 2. Juni 2023, wenn die CD „Phantasy in blue“ zusammen mit Alban Gerhard beim Label Hyperion Records erscheinen wird.

Achtung neue Website: www.alliagequintett.com

“Das Außergewöhnliche wagen. Nach dem Absoluten streben.
Mit dem Folkwang Kammerorchester Essen kann es keine Routine geben.”

Johannes Klumpp, Chef-Dirigent

Energiegeladene Konzerte, neugierige Programme und musikalische Exzellenz sind seit über 60 Jahren die Markenzeichen des Folkwang Kammerorchesters Essen. Das internationale Ensemble aus jungen Musikerinnen und Musikern hat sich in den vergangenen Jahren einen Namen als innovatives Kammerorchester erarbeitet, das Grenzen neu auslotet und als musikalisches Laboratorium überaus erfolgreich mit Konzertformen, Genres und Stilen experimentiert.

Unter Leitung von Chefdirigent Johannes Klumpp, seit der Saison 2013/14 im Amt, konnte das Folkwang Kammerorchester Essen sein Profil schärfen und seinem Portfolio mit der Kommunikation zwischen Orchester und Publikum einen weiteren Akzent hinzufügen: In Gesprächskonzerten, Künstler-Interviews, bei fundierten Moderationen und Werkstattgesprächen treten Orchestermitglieder und Dirigent mit dem Publikum in Dialog über die Musik und ermöglichen so neue Hör-Erfahrungen sowie Einblicke in den Entstehungsprozess eines Konzerts.

Mehrere Konzertreihen, Sonderkonzerte und weitere Formate in seiner Heimatstadt charakterisieren das musikalische Spektrum des Folkwang Kammerorchesters Essen: Neben der Alten Musik – erstklassig betreut durch Spezialisten von Weltklasse auf diesem Gebiet – liegt ein Schwerpunkt auf den Werken Wolfgang Amadeus Mozarts. Das Ensemble hat in den vergangenen Jahren seine Expertise für Mozart beständig ausgebaut und gefestigt und zählt mit seinem lebendig-frischen, frechen und liebevollen Spiel zu den führenden Interpreten auf diesem Gebiet. Die unter der Leitung von Johannes Klumpp in 2018/2019 beim renommierten Label GENUIN classics veröffentlichten Mozart Hornkonzerte (gemeinsam mit dem Hornisten Christoph Eß) sowie vier seiner Sinfonien, darunter die „Große g-Moll“, wurden in der Fachpresse mit Bestnoten ausgezeichnet. Weitere CD-Produktionen sind bereits in Arbeit.

Seine Verwurzelung in der Stadt zeigt das Folkwang Kammerorchester Essen mit regelmäßigen Konzerten in den größten Spielstätten Essens, darunter die Villa Hügel, die Philharmonie Essen, die Lichtburg sowie Weltkulturerbe Zeche Zollverein. Den Folkwang-Gedanken eines spartenübergreifenden Kunstverständnisses verwirklicht das Orchester immer wieder in Projekten mit anderen Kunstformen, wie zum Beethoven-Jahr 2020 mit der Crossover-Formation Uwaga! oder 2021 mit dem Kabarettduo BeckmannGriess.

Die hohe künstlerische Qualität des Folkwang Kammerorchesters Essen zeigt sich nicht nur in den einzelnen Mitgliedern, die in den Konzerten regelmäßig solistisch auftreten. Der Teamgeist, die Frische und unbändige Spielfreude des Ensembles sind auch das ideale Umfeld für junge Gastkünstler, die hier ein Sprungbrett für internationale Karrieren erhalten haben. Neben Dirigentinnen und Dirigenten wie Kristiina Poska, Lorenzo Viotti und Clemens Schuldt waren in den vergangenen Jahren Ausnahmekünstler wie Nils Mönkemeyer, Terry Wey, Herbert Schuch, Tobias Feldmann oder Hauschka zu erleben.

Als junges Ensemble richtet das Folkwang Kammerorchester Essen auch einen besonderen Fokus auf das Publikum von morgen: Probenbesuche von Schulklassen, Workshops sowie spezielle Familien- und Generationenkonzerte gehören fest zum Bildungsauftrag des Orchesters.

Wer die stilistische Bandbreite und die mitreißende Verve des Gewandhaus Brass Quintetts einmal erlebt hat, möchte immer mehr hören von der phantasievollen Musik in den Interpretationen der fünf Solo-Blechbläser des Gewandhausorchesters. In ausgefallenen Programmen präsentieren sie den musikalischen Facettenreichtum ihrer Instrumente: vom brillanten Barockklang über die Atem beraubenden Rhythmen moderner Kompositionen bis hin zum jazzigen Groove. Wo immer sie auftreten, begeistern sie die Zuhörer mit ihrem charmanten Auftreten ebenso, wie mit musikalischem Drive und ungebremster Spielfreude.

Die Musiker des Gewandhaus Brass Quintett, das 2005 als „Leipzig Chamber Brass“ gegründet worden war, sind allesamt vielfach ausgezeichnete Instrumentalisten, die neben dem Engagement im Gewandhausorchester auch solistisch tätig sind. Das Gewandhaus Brass Quintett ist das jüngste von nur drei Kammermusik-Ensembles, das den Namen „Gewandhaus“ im Namen tragen darf (neben dem Orchester und den beiden Chören). Der Titel wird vom Gewandhauskapellmeister verliehen, der damit auch für die Qualität des Ensembles bürgt. Seit ihrer Gründung haben sich die Fünf schnell einen hervorragenden Ruf erspielt.

Einen Eindruck von der Vielschichtigkeit des Blechbläser-Klanges und der Vielfalt unterschiedlichster Werke für diese Formation gibt die 2009 bei Genuin (89142) erschienene CD. Von der humorvoll einher marschierenden Ansammlung skurriler Charaktere in Jan Koetsiers „Zirkusmarsch“ über Witold Lutoslawskis aufbrausend kraftvoller „Mini Ouvertüre“ sowie Bachs und Albinonis strahlend barocken Klängen bis hin zum schillernden Impressionismus Debussys, dem groß angelegten romantischen Quintett Viktor Ewalds und der Zartheit von Brahms´ Wiegenlied zeigt das Gewandhaus Brass Quintett , welchen Reichtum die Klangfarbenpalette der fünf Blechbläser bereit hält.

Verbunden durch eine gemeinsame musikalische Vision und tief verwurzelte Freundschaften, hat das Trio Zadig die internationale Bühne mit beeindruckender Intensität erobert. Mit elf internationalen Preisen ausgezeichnet, fesselt dieses charismatische Ensemble das Publikum durch virtuoses Können, elegante Ausstrahlung und eine ansteckende Spielfreude, die jede Aufführung durchdringt. Mit meisterhafter Präzision verweben sie klassische Erhabenheit mit kühnen zeitgenössischen Interpretationen und laden das Publikum zu einer faszinierenden Erkundung von musikalischer Tiefe, Klangfarbe und Harmonie ein. Die Magie des Trio Zadig liegt in der einzigartigen Verbindung ihrer individuellen Talente und ihrer unbestreitbaren Synergie – ein Spiegelbild ihrer gemeinsamen Leidenschaft und ihres unermüdlichen Engagements für ihre Kunst.

Der Geiger Miclen LaiPang, von der New York Times als eine „unaufhaltsame Kraft“ gefeiert, bereichert das Ensemble mit seiner internationalen Erfahrung und dynamischen Energie. Marc Girard Garcia, Absolvent des CNSM in Paris, prägt mit seiner nuancierten Cellokunst den authentischen Klang des Trios. Guillaume Vincent, ebenfalls Absolvent des CNSM, bringt – so Diapason – „vorbildliche Klarheit“ und ausdrucksstarke Interpretationen in das Ensemble ein.

Benannt nach Voltaires Figur Zadig – einem Symbol für Gerechtigkeit und Wahrhaftigkeit – übersetzt das Trio diese Tugenden in ihre musikalischen Darbietungen. Menahem Pressler vom Beaux Arts Trio lobte sie als „die besten Musiker unserer Zeit“ und betonte, dass das Trio Zadig aus „drei außergewöhnlich begabten Instrumentalisten und zugleich tiefgründig suchenden Musikern“ bestehe.

Ihr hervorragender Ruf wird durch zahlreiche Auszeichnungen untermauert, darunter der renommierte Erste Preis des Fnapec Musiques d’Ensemble – ein Weg, den zuvor bedeutende Ensembles wie das Ysaÿe-Quartett, das Ébène-Quartett und das Wanderer-Trio beschritten haben. Letzteres bescheinigte dem Trio Zadig „herausragende künstlerische und technische Qualitäten“.

Bedeutende Institutionen haben sie als „assoziierte Künstler“ aufgenommen, darunter die Queen Elisabeth Music Chapel, die Singer-Polignac-Stiftung in Paris und die Musikakademie von Villecroze.

Das Trio Zadig hat weltweit Spuren hinterlassen und trat von den USA bis Taiwan in renommierten Konzertsälen auf, darunter das BOZAR, das Shanghai City Theater, das Concertgebouw Amsterdam, die Philharmonie de Paris und die Walt Disney Concert Hall in Los Angeles. Die Zusammenarbeit mit Künstlern wie Alfred Brendel hat ihre musikalische Reife nachhaltig geprägt.

Ihr Engagement geht über den Konzertsaal hinaus: Sie bringen Musik regelmäßig in Schulen, Krankenhäuser und Gefängnisse und unterstreichen damit ihre tiefe Überzeugung von der gesellschaftlichen Bedeutung und transformierenden Kraft der Musik.

Ihr Repertoire reicht von Haydn bis zu zeitgenössischen Komponisten und bereichert das Genre des Klaviertrios mit Mut und Frische.

Poetischer Klang, Tiefe und Aufrichtigkeit prägen ihre Interpretationen und versprechen eine ebenso abenteuerliche wie nachhaltige Zukunft – ganz im Sinne ihres Namensgebers. Ihre Diskographie umfasst drei von der Kritik gefeierte CDs: Something in Between, The Seasons und Orpheus, ausgezeichnet mit vier „ffff“ von Télérama, einem Coup de Coeur von Classica und Figaro sowie der Ehrung als „CD des Tages“ von France Musique.

Miclen LaiPang spielt auf einer Guiseppe „filius Andrea“ Guarneri von ca. 1697 mit einem Bogen von Dominique Peccatte. Marc Girard Garcia spielt eine Andrea Guarneri von ca. 1675 mit einem Bogen von Victor Fétique, großzügig zur Verfügung gestellt von der Boubo-Music-Stiftung.

www.triozadig.com

Ein virtuoser klassischer Violinist mit Vorliebe für osteuropäische Musik, ein Jazzgeiger mit Punkrock-Erfahrung, ein meisterhaft improvisierender Akkordeonist mit Balkan-Sound im Blut und ein Bassist, der sich in Symphonieorchestern ebenso zu Hause fühlt, wie in Jazzcombos oder Funkbands…

Vier Musiker, wie sie unterschiedlicher nicht sein könnten, stürzen sich 2007 in das Abenteuer, gemeinsam zu musizieren. Am Anfang steht vor allem die pure Spielfreude im Vordergrund – und sie überträgt sich mühelos auf jedes Publikum. Über die Jahre gemeinsamen Musizieren beeinflussen sich die Vier gegenseitig, die unterschiedlichen stilistischen Schwerpunkte wachsen zum sehr eigenen Sound zusammen, irgendwo zwischen Klassik, Jazz, Balkan- und Popmusik.

Uwaga! feilt seit mittlerweile 10 Jahren mit ungebremstem Eifer weiter an der gemeinsamen Vision: einer Musik ohne Grenzen, die glücklich macht, die auf direktem Wege zu Herzen und in die Beine geht. Den unbändigen Spielspaß können sich die Musiker mühelos erhalten: in einer Musikwelt ohne Grenzen wird es glücklicherweise nie langweilig.

Der vielschichtige Sound des Ensembles ist orchestral und perkussiv zugleich. Auf der Suche nach erweiterten Ausdrucksmöglichkeiten entstehen schließlich Begegnungen, die diese musikalischen Gegenpole weiter ausreizen sollen. So spielt Uwaga! 2013 erstmals eigene Arrangements und Kompositionen mit dem Folkwang Kammerorchester Essen. Die extrem fruchtbare und erfolgreiche Zusammenarbeit wird ausgebaut und weitergeführt: im Januar hatte das 2. gemeinsame Programm „Alle Menschen werden Brüder“ Premiere, eine gemeinsame CD ist für 2019 geplant.

Gleichzeitig beginnt das Quartett, mit Symphonieorchestern in ganz Deutschland zu konzertieren. Die Spielfreude und der ganz individuelle Crossover-Sound steckt auch die Orchester sofort an. Nach der erfolgreichen CD „Swan Fake“ (Uwaga! & Dortmunder Philharmoniker, ARS Produktion 2016) steht in 2019 die nächste CD-Veröffentlichung mit Orchester an, diesmal gemeinsam mit dem WDR Funkhausorchester Köln

Auf der anderen Seite arbeitet Uwaga! seit 2014 regelmäßig mit dem jungen Perkussionisten Max Klaas. Der musikalische Weltenbummler ist die perfekte Wahl für das gemeinsame Spiel, da er sein Percussion-Set ebenso umfunktioniert wie Uwaga! seine Streich- und Tasteninstrumente: als Meister des klassischen Weltmusik Trommel-Instrumentariums, überdies in der Popmusik zuhause, findet er eigene Wege, Drumsounds jedweder Art auf dem Percussion-Set zu erzeugen.

Das Ensemble begeisterte sein Publikum bei namhaften Festivals und in renommierten Konzerthäusern wie:

Uwaga! spielte Konzerte mit renommierten Orchestern wie den Düsseldorfer Symphonikern, Dortmunder Philharmonikern und Nürnberger Symphonikern.

Unverwechselbarer Klang, atemberaubende Homogenität, musikalische Stilsicherheit und eine gehörige Portion Charme und Witz sind die besonderen Markenzeichen von amarcord. Das äußerst facettenreiche und breitgefächerte Repertoire umfasst Gesänge des Mittelalters, Madrigale und Messen der Renaissance, Kompositionen und Werkzyklen der europäischen Romantik und des 20. Jahrhunderts sowie A-cappella-Arrangements weltweit gesammelter Volkslieder und bekannter Songs aus Soul und Jazz.

Dem Neuen gegenüber aufgeschlossen, legen die Sänger großen Wert auf die Pflege und Förderung zeitgenössischer Musik. So schrieben u. a. Bernd Franke, Steffen Schleiermacher, Ivan Moody, James MacMillan, Sidney M. Boquiren, Siegfried Thiele und Dimitri Terzakis Werke für amarcord. Wenngleich reine A-cappella-Programme im Mittelpunkt der Konzerttätigkeit stehen, gibt es regelmäßig Projekte mit namhaften Ensembles und Künstlern wie dem Gewandhausorchester Leipzig, der Lautten Compagney, dem Swedish Chamber Orchestra, dem Vogler Quartett, dem Ensemble Modern, der Pianistin Ragna Schirmer, dem Bandoneonvirtuosen Per Arne Glorvigen, der Gambistin Hille Perl und Friend ’n Fellow.

Das Vokalensemble ist Preisträger zahlreicher internationaler Wettbewerbe (Tolosa/Spanien, Tampere/Finnland, Pohlheim/Deutschland, 1. Chor-Olympiade in Linz/Österreich). Im Jahr 2002 gewann das Ensemble den Deutschen Musikwettbewerb, nachdem es bereits zwei Jahre zuvor mit dem Stipendium und der Aufnahme in die Bundesauswahl Konzerte junger Künstler des Deutschen Musikrates ausgezeichnet worden war. 2004 wurden die Sänger als erstes Vokalensemble mit dem Ensemblepreis der Festspiele Mecklenburg-Vorpommern ausgezeichnet. Neben dem Gewandhausorchester und dem Thomanerchor zählt amarcord zu den wichtigsten Repräsentanten der Musikstadt Leipzig im In- und Ausland. Regelmäßig gastiert die Gruppe bei den bedeutenden Musikfestivals. Zahlreiche Konzerttourneen führten die Sänger in über 50 Länder und auf nahezu alle Kontinente der Erde. In Zusammenarbeit mit dem Goethe-Institut gastierten sie in Australien, Südostasien, dem Nahen Osten, Russland, Afrika und in Mittelamerika.

Das 1997 von amarcord ins Leben gerufene Internationale Festival für Vokalmusik „a cappella“ (www.a-cappella-festival.de) hat sich unter der künstlerischen Leitung der Gruppe zu einem der wichtigsten Festivals seiner Art entwickelt. Regelmäßig sind die Stars der Szene wie The Real Group, The King’s Singers, Take 6 oder das Hilliard Ensemble im Frühjahr in Leipzig zu erleben.

Zahlreiche CDs dokumentieren eindrucksvoll die Facetten des Repertoires und werden vielfach mit Preisen (ICMA, Contemporary A Cappella Recording Award, ECHO Klassik, Supersonic Award etc.) ausgezeichnet. 2019 wurde mit der „Leipziger Disputation“ die erste gemeinsame CD mit dem Calmus-Ensemble veröffentlicht und mit einem „OPUS Klassik“ als „Chorwerkeinspielung des Jahres“ ausgezeichnet. Im Zentrum steht die zwölfstimmige Messe „Et ecce terrae motus“ von A. Brumel. Außerdem erschien eine CD mit Werken von Kurt Weill, die gemeinsam mit dem Ensemble Modern unter Leitung von HK Gruber aufgenommen wurde. „Tenebrae“ mit geistlicher Vokalmusik aus Mittelalter, Renaissance und Gegenwart, enthält auch einige Kompositionen, die für amarcord geschrieben wurden. 2016 veröffentlichten die Sänger ein Schubert-Album mit dem Pianisten Eric Schneider und gemeinsam mit german hornsound die CD „Wald.Horn.Lied“. Die CD „ARMARIUM“ widmet sich dem Repertoire des Thomanerchores vom Mittelalter bis Heinrich Schütz, und für „Folks & Tales“ erhielten die Sänger 2014 ihren sechsten Contemporary A Cappella Recording Award – den „A-cappella-Oscar“, mit dem jährlich die besten Produktionen weltweit im A-cappella-Bereich prämiert werden. Die CD „Zu S Thomas“ mit zwei gregorianischen Messen aus dem Thomasgraduale der Leipziger Thomaskirche wurde 2013 mit dem International Classical Music Award (ICMA), dem wichtigsten Preis der europäischen Schallplattenkritik, ausgezeichnet. Die Einspielung der Motetten von Johann Sebastian Bach wurde 2012 bei SONY/dhm veröffentlicht. Gemeinsam mit der Lautten Compagney folgte dann 2014 die Marienvesper von Claudio Monteverdi bei CARUS. Auf der DVD-Produktion „The Book of Madrigals“ bei Accentus Music (Koproduktion mit dem ZDF und ARTE) interpretieren die fünf Sänger vor malerischer Kulisse der Villa Godi in Venetien Kompositionen der wichtigsten Vertreter der Renaissance.